Entretien: Omaks – Station techno

Omaks est un DJ et producteur parisien qui a commencé son voyage en mélange en 2019 avant de commencer naturellement à se produire deux ans plus tard. Depuis lors, il réalise un univers puissant et énergique, défini par ses influences de basse inverse distinctes.

Il a fait sa marque sur la scène techno avec le morceau percutant «Back Street Bass», s’établissant rapidement parmi les talents émergents. Son premier EP, «5h du matin», sorti en 2022, a solidifié sa légitimité en tant que producteur à regarder de près. En 2023, Omaks a relevé le défi de publier une piste par mois, présentant davantage son talent indéniable. Les sorties notables incluent «Control Control», «Make Your Transition» et «quelque chose comme ça». Aujourd’hui, Omaks électrifie les étapes du monde entier, en collaboration avec des collectifs renommés tels que Verknipt, Doom et Teletech. Son objectif est clair: secouer les planchers de danse avec son énergie brute et vous faire transpirer pendant ses sets inoubliables. Il est le boss inversé.

«Jouez fort, danse vite» est votre devise. Comment traduisez-vous cette philosophie dans vos productions, surtout lorsque vous fabriquiez des pistes comme celles de votre Real Ep This Is Real?

Pour moi, jouer fort, danser rapidement est plus qu’une devise, c’est le fondement de la façon dont je crée de la musique. Mon objectif est toujours d’injecter de l’énergie brute et imparable dans mes morceaux, ce qui les rend impossibles à ignorer sur le dancefloor. Avec cela réel, je voulais que chaque piste se sente comme un déclencheur immédiat, quelque chose qui vous saisit dans les premières secondes et ne lâche pas. Je rédige mes traces pour maintenir l’intensité élevée tout en laissant l’espace pour un moment de tension avant de riposter encore plus fort. Si la piste ne me donne pas envie de bouger instantanément, elle n’est pas terminée.

Votre son est décrit comme une techno dur à haute énergie avec des influences acides. Comment équilibrez-vous rester fidèle à votre style de signature tout en évoluant et en expérimentant de nouveaux éléments?

Rester dans une zone de confort est dangereux, je me mets toujours au défi de pousser au-delà de ce que j’ai fait auparavant. La clé est l’équilibre. Je garde les éléments fondamentaux qui définissent mon son. La scène évolue et je veux évoluer avec elle, mais sans perdre ce qui rend mon son unique.

Le lancement d’une nouvelle étiquette est un grand pas. Quelle est la vision derrière elle et comment voyez-vous qu’elle contribue à la communauté techno plus large?

Avec énergique, je veux briser le moule. Trop souvent, la techno dure tombe dans des modèles prévisibles, et j’ai l’impression qu’il y a tellement plus à explorer. La vision derrière l’étiquette est simple: pas de limites, seulement de l’énergie. Qu’il s’agisse de techno dur, d’acide, de transe ou même de hardcore, tant que la piste atteint durement et crée un mouvement, il a une place sur énergique. L’objectif est d’apporter plus de diversité dans la scène et de faire avancer de nouvelles idées. Si une piste peut me surprendre et faire toujours se déchaîner une foule, elle correspond à la vision énergique.

Vous avez mentionné que cela est réel représente votre dévouement au partage de la musique avec le monde. Quel a été le tournant qui vous a fait réaliser que c’était le but de votre vie?

Le moment où j’ai réalisé que je pouvais réellement vivre de la musique a été un énorme tournant. Avant cela, c’était une passion, mais il y avait toujours ce doute “Puis-je vraiment faire cela à plein temps?” Le jour où j’ai vu que je pouvais survivre uniquement de ma musique, tout a changé. Il ne s’agissait pas seulement de faire des morceaux ou de jouer des concerts; Il est devenu une responsabilité de tout donner. C’est réel est ma déclaration: ce n’est pas une phase, ce n’est pas seulement un rêve, c’est ma vie. Chaque seconde en studio, chaque concert, chaque instant sur scène, je donne tout ce que j’ai parce que je sais que c’est ce que je suis censé faire.

En tant que personne qui a commencé à DJ en 2019 et a rapidement gagné du terrain, à quels défis avez-vous rencontrés en si peu de temps et comment les avez-vous surmontés?

Le plus grand défi a été de me révéler dans une scène déjà pleine d’artistes talentueux. J’ai dû travailler dur, non seulement sur la production, mais pour construire une identité forte et fournir des ensembles inoubliables à chaque fois. Un autre défi était l’aspect mental. Lorsque vous vous levez rapidement, il y a une pression pour continuer l’élan. Il est facile de tomber dans le piège d’essayer de plaire à tout le monde ou de trop penser à chaque version. La façon dont j’ai surmonté cela était de rester fidèle à ma vision. Au lieu de chasser les tendances, je me suis concentré sur ce que je voulais créer, et c’est ce qui a fait que les gens se connectent avec ma musique en premier lieu.

Vos ensembles sont connus pour repousser les limites et fournir une énergie inoubliable. Comment préparez-vous une performance et comment évaluez-vous la réaction de la foule pour maintenir l’énergie élevée?

Chaque ensemble est différent, mais j’ai toujours une structure en tête! Comment je veux construire des tensions, quand je veux choquer la foule, et quand laisser la musique respirer avant de les frapper à nouveau. En ce qui concerne la préparation, je creuse profondément dans toutes les plates-formes de streaming et crée une liste de lecture de pistes qui correspondent à l’ambiance que je veux. Je fais également des modifications personnalisées pour garder les choses uniques. Si je vois que les gens se concentrent pendant mon set, je sais que je dois le changer, peut-être introduire une pause plus mélodique avant d’aller plus fort ou de laisser tomber quelque chose d’inattendu comme une transition lourde à l’acide. L’objectif est de contrôler le flux d’énergie, en gardant les gens engagés du début à la fin.

Vous avez joué à travers l’Europe dans les clubs et les festivals. En quoi l’énergie d’une foule du festival diffère-t-elle d’un cadre de club intime et que préférez-vous pour votre son de techno dur?

Les deux ont leur magie.
Les festivals sont entièrement sur l’échelle, les énormes systèmes sonores, les foules massives et une énergie écrasante. Le défi consiste à vous assurer que votre ensemble se démarque parmi tant d’artistes. Vous devez aller grand, créer des moments inoubliables et fournir une énergie maximale.
Les clubs sont intenses et personnels. Vous pouvez sentir la réaction de la foule immédiatement et cette connexion vous permet de prendre plus de risques. L’énergie dans un petit club bondé peut être encore plus folle qu’un festival si la foule est complètement enfermée.
Pour Hard Techno, j’aime les deux. Les festivals me permettent d’aller extrême, tandis que les clubs me permettent d’expérimenter davantage avec mon son.

Qu’est-ce qu’un équipement, un logiciel ou une technique qui change de jeu pour votre processus de production, en particulier lors de la création de pistes comme Back Street Bass ou 5h du matin?

Dernièrement, les techniques de distorsion et de saturation ont changé la donne. En utilisant le décapitateur SoundToys, Izotope Trash 2 et le sérum me permet de pousser mes coups de pied et de basse inversé vers des niveaux de puissance insensés sans perdre de clarté. Pour la groove et le mouvement, j’ai également utilisé Arpegiator pour des synthés pour créer des modèles en évolution qui maintiennent l’énergie qui change tout au long d’une piste. Cela rend tout vivant, ce qui est la clé pour maintenir la tension élevée.

Le terme «souterrain» signifie différentes choses pour différentes personnes. Pour vous, qu’est-ce que cela signifie de faire partie de la scène techno underground, et comment voyez-vous qu’elle évolue au cours des prochaines années?

Pour moi, underground concerne l’état d’esprit, pas seulement le son. Il s’agit de repousser les limites, de résister aux tendances commerciales et de garder l’accent sur la musique et l’expérience plutôt que sur le battage médiatique. Au cours des prochaines années, je pense que nous verrons plus d’artistes mélangeant des influences de différents genres, de la techno dur, de la transe, du groove dur, même du hardcore. Le métro restera en vie tant que les artistes prendront des risques et défieront la norme.

Avec votre décollage de carrière, comment gérez-vous la pression et la responsabilité d’être un modèle ou un influenceur dans la communauté techno?

Je reste concentré sur la raison pour laquelle j’ai commencé la musique. Au moment où vous vous perdez dans des pressions externes, vous perdez ce qui vous a fait vous démarquer en premier lieu. Je crois également qu’il faut rester connecté avec la scène, soutenir les artistes à venir, être ouvert sur les défis et garder l’esprit communautaire en vie. Si je peux inspirer les gens à faire confiance à leur vision et à aller tout-in sur leur musique, alors je fais quelque chose de bien.