Stan Kolev parle du scepticisme envers les tendances axées sur le battage [Interview] – Musique techno

Avec un mélange magistral de mélodies riches, de voix hypnotiques et de synthés émouvants, DJ et producteur basé à Miami Stan Kolev a solidifié son statut de l’une des figures les plus respectées de la scène techno. En tant que fondateur de sa propre étiquette influente Outta limite les enregistrements et un aliment de base sur les empreintes puissantes comme Underground mondial, Armadaet Enregistrements de trou noirLes productions innovantes de Kolev ont suscité des éloges dans le monde entier, y compris des collaborations majeures avec des artistes tels que Matan Caspi sur ‘Mantra’ et Pas de pitié sur ‘Je me suis jeté la peau’tandis que ses ensembles de DJ immersifs ont des festivals prestigieux électrifiés comme Universo Paralello au Brésil et Festival de fréquence de terre en Australie, ainsi que des lieux emblématiques, notamment Treehouse Miami et Ignite WL Superclub à Bengaluru. Sa dernière sortie, le single captivant ‘Fragments d’âme’ sur Outta limite les enregistrements (Août 2025), continue de repousser les limites du genre avec ses rainures édifiantes et sa fusion biologique-électronique, captivant le public et cimentant son héritage en tant que véritable pionnier.

Plongez dans cette interview exclusive où Stan Kolev s’ouvre sur son processus créatif, ses inspirations et l’évolution de son son.

Comment décrivez-vous l’ambiance que vous visez à créer lorsque vous mélangez des influences tribales et spirituelles dans vos traces de maison progressives?

Lorsque je mélange des influences tribales et spirituelles dans mes pistes de maison progressives, l’ambiance que je vise est à la fois la mise à la terre et l’élévation. Les éléments tribaux vous connectent à quelque chose de primal et organique, le rythme de la terre, le pouls du corps – tandis que les couches spirituelles apportent un sens d’expansion, de profondeur et de transcendance. Ensemble, ils créent un espace où l’auditeur peut se perdre sur le dancefloor mais aussi ressentir une connexion plus profonde à l’intérieur. Il s’agit d’équilibrer l’énergie brute avec une résonance émotionnelle, donc la musique vous emmène dans un voyage qui semble intemporel et transformateur.

Quel est un équipement ou un logiciel dans votre studio qui est absolument essentiel pour fabriquer vos synthés de signature d’âme?

Je dirais u-he diva et moog sub37.

Ayant grandi à Sofia, en Bulgarie, comment vos premières influences musicales ont-elles façonne le son émotif pour lequel vous êtes connu aujourd’hui?

Grandir à Sofia m’a exposé à une palette de musique très diversifiée. J’étais entouré de sons classiques, folkloriques et d’Europe de l’Est qui portaient beaucoup d’émotion et d’âme. En même temps, j’ai été attiré par la musique électronique occidentale, ce qui m’a donné la structure et la conduite que j’ai développées plus tard dans mes productions. Ce mélange de mélodies émotionnelles profondes avec des fondations rythmiques fortes a façonné la façon dont j’aborde la musique aujourd’hui. J’ai toujours voulu que mes morceaux racontent une histoire et évoquent un sentiment, et je pense que cela vient directement de ces premières influences à la maison.

Lors de la production d’un morceau comme votre dernière version, ‘Sacred Shashta’, quelle est l’étincelle ou l’émotion qui vous pousse à commencer à construire ces mélodies obsédantes?

Avec ‘Sacré Shasta ‘L’étincelle est vraiment venue de l’énergie que je ressentais en visitant le mont Shasta. Il y a une présence mystique qui est difficile à mettre en mots, presque comme la montagne transporte sa propre vibration. Ce sentiment de crainte et de révérence était le déclencheur. Je voulais capturer cette atmosphère sacrée et d’un autre monde dans le son. Les mélodies obsédantes sont ma façon de traduire cette émotion en musique, afin que les auditeurs puissent exploiter ce même sens du mystère et de la transcendance, même s’ils n’ont jamais été dans l’endroit lui-même.

Comment équilibrez-vous les thèmes introspectifs de votre musique avec l’énergie nécessaire pour déplacer un dancefloor?

Pour moi, l’équilibre vient naturellement parce que je vois l’introspection et l’énergie comme deux côtés de la même pièce. Les thèmes introspectifs apportent de la profondeur, de l’émotion et de la narration, tandis que l’énergie s’assure que le corps le ressent autant que l’esprit. Sur le dancefloor, les gens veulent bouger, mais ils veulent aussi se connecter à quelque chose de plus profond – presque comme une méditation en mouvement. Donc, je construis mes traces avec des couches: conduisant des grooves et des lignes de basse qui maintiennent l’énergie vivante et des éléments mélodiques ou atmosphériques qui parlent à l’âme. Lorsque ces deux-là se rencontrent, c’est à ce moment que la vraie magie se produit.

Pouvez-vous nous guider à travers une technique de production spécifique que vous avez utilisée dans votre «Sacred Shashta» pour fusionner les éléments organiques et électroniques de manière transparente?

Dans ‘Sacré Shasta ‘l’une des techniques clés que j’ai utilisées était la superposition des percussions organiques avec des textures électroniques transformées. Par exemple, j’ai commencé avec des enregistrements de tambour et de shaker à la main pour donner la piste cette sensation brute et humaine, puis les ai mélangées avec des percussions synthétiques que j’ai conçues pour compléter la rainure. J’ai également utilisé des enregistrements sur le terrain atmosphériques de la nature – un vent subtil et des textures ambiantes – et je les ai traitées avec une réverbération et un retard pour les faire siéger dans l’espace électronique. L’idée était de brouiller la ligne entre naturel et synthétique, donc l’auditeur ressent à la fois la terrassement des sons organiques et l’expansivité de la production électronique en un seul flux.

Gérer votre propre étiquette, Outta Limits, quelle est la leçon la plus inattendue que vous ayez apprise sur la conservation de la musique qui résonne à l’échelle mondiale?

Courir les limites m’a appris que ce qui résonne dans le monde ne concerne pas toujours les tendances, mais sur l’authenticité. L’une des leçons les plus inattendues est qu’une piste avec une véritable émotion et une personnalité se connectera avec les gens, peu importe où ils se trouvent dans le monde. Parfois, je libérerai quelque chose que je pense être très niche, et cela finit par toucher les auditeurs dans des endroits à laquelle je ne m’attendais jamais. Cela m’a rappelé que la musique est une langue universelle – si elle est authentique et sincère, elle transcende les frontières et les genres. En tant que conservateur, j’ai appris à faire confiance à ce sentiment avant tout.

Votre musique est profondément personnelle – comment exploitez-vous ces émotions émouvantes en studio sans vous perdre dans le processus?

Pour moi, créer de la musique est presque comme une thérapie / méditation. Je puise dans mes propres émotions et expériences, mais je les canalise d’une manière qui les transforme en son plutôt que de les laisser me submerger. La clé est l’équilibre! Je me permets de me sentir profondément en écrivant des mélodies ou en construisant des atmosphères, mais je prends également du recul et regarde la vue d’ensemble de la piste. De cette façon, l’émotion reste brute et authentique, mais la production reste concentrée et claire. Il s’agit de transformer la vulnérabilité en énergie, donc l’auditeur peut s’y connecter pendant que je reste ancré dans le flux créatif.

En tant que pionnier de la maison progressive, quelle est une tendance de la musique électronique qui vous est sceptique et comment restez-vous fidèle à votre vision?

Une tendance dont je suis un peu sceptique est la dépendance excessive sur la formule et le battage médiatique à court terme. Parfois, des pistes sont conçues pour s’adapter aux listes de lecture ou aux algorithmes plutôt que pour résister à l’épreuve du temps, et bien qu’ils puissent attirer une attention rapide, ils manquent souvent d’âme. Pour moi, rester fidèle à ma vision signifie toujours mettre l’émotion en premier – les mélodies, l’atmosphère, la narration. Je préfère créer quelque chose qui fait avancer les gens profondément et dure, plutôt que de poursuivre ce qui est chaud pour une saison. L’authenticité a toujours été ma boussole, et c’est ce qui me maintient au sol à mesure que la scène évolue.

Pourriez-vous laisser vos fans sur ce que vous avez en cours dans les prochains mois?

J’ai des projets vraiment excitants alignés. Il y a quelques nouvelles versions solo qui plongent encore plus profondément dans le côté mélodique et spirituel de mon son, ainsi que des collaborations spéciales avec des artistes que je respecte vraiment. Je prépare également des matériaux frais pour Les limites de sortieà la fois de moi-même et d’autres talents sur le label. Et bien sûr, je vais faire des tournées et tester une grande partie de cette nouvelle musique sur le dancefloor – c’est toujours la meilleure façon de ressentir la véritable énergie d’un morceau avant sa sortie. Ainsi, les fans peuvent certainement s’attendre à un flux constant de musique et de moments avec lesquels se connecter dans les prochains mois.

Flux ‘Shasta sacré‘:

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